Moonlight (月光) From the Yun Nan Ying Xiang (云南映像) performance. The music
used here is exclusively used and created for that performance, and I think it
fits wonderfully with all of her dances.
Comments-
i can't take my eyes off this
brilliance. the intense lines of her body with the moon's calming light is the
most captivating imagery that leaves all of my senses mystified ♥ passionate
The beauty
and toil of life, and then there's death; expressed perfectly.
Famous long hair dancer Yang Liping and
her niece Wei Caiqi-5.28 min
It’s hard to think of a more visually
ravishing production this year than Yang Liping’s Under Siege. It’s based on
the historic, bloody battle between Chinese warlords Xiang Yu and Liu Bang, but
Yang and her designer Tim Yip have distilled the material down to images of hallucinatory
beauty.
Yip’s set is constructed from a dense,
clanking mass of steel scissors that hang over the stage like storm clouds – or
like a distant, gathering army. They catch the light in extraordinary ways;
burnished into a hard angry gold, dark with the smoke of battle or reduced at
the end to gaunt silhouettes, framing the stage as drifts of blood-red feathers
fall softly over the bodies of the dead.
1. Fishing Boats on the Beach at Saintes-Maries
2. Langlois Bridge at Arles, The
3. Farmhouse in Provence
4. White House at Night, The
5. Still Life
6. Evening The Watch (after Millet)
7. View of Saintes-Maries
8. Bedroom
9. Factories at Asnieres Seen
10. White House at Night, The
11. Restaurant
12. First Steps (after Millet)
13. Self-Portrait
Música. Unaccompanied
cello Suite No1. In G Major, BWV 1007: Sarabande
550 años de cuadros de mujeres en dos minutos.
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Los diez cuadros de la doma del búfalo- texto en inglés.
Su origen data del siglo XII, cuando el
maestro chino Kokuan (1100-1200) dibujó los cuadros de los diez búfalos, basándose en los
anteriores búfalos Taoistas y escribió los
comentarios en prosa y verso
Los diez búfalos es una serie de poemas cortos acompañados con
dibujos para ilustrar los estados de un practicante budista
en su progresión hacia la iluminación o despertar, así como el subsecuente
alcance de la sabiduría.
Nos cuenta la historia del despertar a la verdadera naturaleza, en la tradición
del budismo zen. Las hermosas
ilustraciones son de las paredes el Templo
de Mu Sang Sa en Corea, tomadas con
el permiso del abad Dae Jin del Centro Zen Internacional.
dibujos cortesía
del centro Zen, del templo de Mu Sang,
Corea
Musica
antigua con instrumento de cuerda chino
llamado guqin, al cual se atribuyen cualidades contemplativas.
la pieza
musical se llama ‘Wild geese on the sandbank’
el artista es anónimo
- pájaros dibujo texto. Dibujo animado-hermoso
Actualizado el 3/1/2010
The Ten Oxherding pictures tell the story of awakening and realization
of the true self in the tradition of Zen Buddhism. The beautiful illustrations
here are from the walls of the Hall at the Mu Sang Sa Temple in Korea, with the
kind permission of International Zen Center's Abbot Dae Jin.
Los diez búfalos es una serie de poemas cortos acompañados con
dibujos para ilustrar los estados de un practicante budista
en su progresión hacia la iluminación o despertar, así como el subsecuente
alcance de la sabiduría.
Ten
Bulls or Ten Ox Herding Pictures (十牛;
Japanese: jūgyū, Chinese: shíniú) is, in the tradition of Zen Buddhism, a
series of short poems and accompanying pictures that are intended to illustrate
the stages of a Mahāyāna Buddhist practitioner's progression towards
enlightenment, as well as his or her subsequent perfection of wisdom.
Uploader's note:
I took this animation at tohou.com, and I don't own the copyright of this
video. I uploaded this to spread this amazing story and work to the others can
appreciate (who creator I don't know, if you know, please tell me). So if it
happens to have any problem, please tell me.
Rino Stefano
Tagliafierro - 'B E A U T Y'- 8 minutos
Rino Stefano y las
nuevas tecnologías dan vida a increíbles e históricas obras pictóricas.
Pinturas clásicas
animadas en un fascinante cortometraje del artista italiano Rino Stefano,
espectacular video
Publicado el 16/01/2014
The Enigma of Beauty by Rino
Stefano Tagliafierro
«Devouring Time, blunt thou the lion's paws,
And make the earth devour her own sweet brood;
Pluck the keen teeth from the fierce tiger's jaws,
And burn the long-lived phoenix in her blood;»
(W. Shakespeare, Sonnet no. 19)
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Mona Lisa Descending a Staircase - Oscar Winning Animated Short Film- 7
minutos
Varios cuadros famosos
en movimiento
Corto de dibujos animados ganador de Oscar en 1992
Publicado
el 3/03/2012
Oscar-winning Mona
Lisa Descending a Staircase filmed in 1992. Pioneering this technique was
one-time Vinton animator Joan Gratz. This is a unique technique in which every
frame is set and shot one by one to give an animated look to the art.
The technique is called Clay Painting. According to Wikipedia - Clay painting
animation (which is also a variation of the direct manipulation animation
process), is animation where clay is placed and flattened on a flat supporting
surface and moved like "wet" oil paints as on a traditional artistic
canvas to produce any style of images, but with a clay 'look' to them, filmed
frame-by-frame by an animation camera (shooting from above, an in a traditional
animation stand) after each small adjustment of the clay images.
A try to visualize the flow of the famous painting "Starry
Night" of Vincent Van Gogh.
The user can interact with the animation. Also, the sound responds to the flow. Made with openframeworks
Petros
Vrellis realizó una animación interactiva del cuadro “La Noche Estrellada” de
Vincent Van Gogh
Petros Vrellis es un artista
griego, que ha realizado una animada, interactiva y mágica versión
de uno de los cuadros más famosos de Vincent Van Gogh.
Se trata de
un homenaje a "La Noche Estrellada" (en neerlandés De
sterrennacht). Una obra realizado por el célebre pintor en 1889.
El cuadro
muestra la vista nocturna que el artista tenía desde su ventana del
sanatorio mental de Saint-Rémy-de-Provence, donde el artista se
recluyó hacia el final de su vida.
Más de 120 años
han pasado desde que VicentVan Gogh. plasmó un cielo
con un trazo a base de espirales fusionado con la luz de las
estrellas envueltas en un halo luminoso a su alrededor, los cipreses en primer
plano, y de fondo la silueta del pueblo con la larga aguja de la torre de la
iglesia presidiendo el conjunto.
Vrellis , también ingeniero eléctrico, ha creado
una obra interactiva en la cual los trazos se mueven siguiendo el trazo
original del dibujo de Van Gogh, solo hay que usar los dedos para simular el
movimiento.
El creador de la
animación usó el openFrameworks
para crear esta maravilla visual. La interacción con la
imagen estática original es simple, fluida y elegante.
La interfaz táctil, permite a los usuarios deformar la imagen intuitivamente,
alterando el flujo de las partículas y el sonido sintetizado, para luego recuperar
lentamente su estado original.
El sonido de fondo se crea utilizando una interfaz MIDI, para
complementar la imagen con un suave tono de ambiente.
Les recomiendo el video interactivo:
La
idea de darle vida a este cuadro en especial es fascinante y muy atractiva
para amantes del arte y público en general, es otra forma de acercar la pintura
neo-impresionista, esta vez por medio de la tecnología.
Vincent" is a song by Don
McLean written as a tribute to Vincent van Gogh. It is also known by its
opening line, "Starry Starry Night", a reference to van Gogh's
painting The Starry Night. The song also describes different paintings done by
the artist.
McLean wrote the lyrics in 1971 after reading a book about the life of the
artist. The following year, the song became the number one hit in the U.K. and
No. 12 in the U.S.
In 2000, PBS aired Don McLean: Starry, Starry Night, a concert special that was
filmed in Austin, Texas.
Lyrics:
Starry
starry night
paint your palette blue and grey
look out on a summer's day
with eyes that know the
darkness in my soul.
Shadows on the hills
sketch the trees and the daffodils
catch the breeze and the winter chills
in colors on the snowy linen land.
And now I understand what you tried to say to me
how you suffered for your sanity
how you tried to set them free.
They would not listen
they did not know how
perhaps they'll listen now.
Starry
starry night
flaming flo'rs that brightly blaze
swirling clouds in violet haze reflect in
Vincent's eyes of China blue.
Colors changing hue
morning fields of amber grain
weathered faces lined in pain
are soothed beneath the artist's
loving hand.
And now I understand what you tried to say to me
how you suffered for your sanity
how you tried to set them free.
perhaps they'll listen now.
For they could not love you
but still your love was true
and when no hope was left in sight on that starry
starry night.
You took your life
as lovers often do;
But I could have told you
Vincent
this world was never
meant for one
as beautiful as you.
Starry
starry night
portraits hung in empty halls
frameless heads on nameless walls
with eyes
that watch the world and can't forget.
Like the stranger that you've met
the ragged men in ragged clothes
the silver thorn of bloddy rose
lie crushed and broken
on the virgin snow.
And now I think I know what you tried to say to me
how you suffered for your sanity
how you tried to set them free.
They would not listen
they're not
list'ning still
perhaps they never will.
Caballos en movimiento, pájaros, tormenta, arboles, jinete, rio…
hermoso
古畫動漫：數位百駿圖
Painting Anime One Hundred
Horses- 3.48 MIN
De Sprachschule Dong
2014 año del caballo. Si un caballo no es lo suficientemente fuerte
para sostenerte en este año, está este
enlace donde 100 caballos te ayudarán a alcanzar tus metas.
Painting Anime: Spring Morning
in the Han Palace-5.17 -----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
Katsushika Hokusai, vivió en Edo, la actual
Tokio y creó el concepto de "Manga" ("las imágenes del mundo
flotante"), esbozos y acuarelas que reflejaban relatos e historietas, en
el año 1814. Fue un pintor muy valorado por los impresionistas franceses como
Degas, Monet, Toulouse-Lautrec. Practicó en sus grabados las técnicas de la
escuela Ukiyo-e... (más)
Tony White ~ "Hokusai -
An Animated Sketchbook"- 5.13 min
Subido el 24/5/2008
(Note:
Fans of this film might like to know about my current personal project,
currently in development and seeking funding... http://www.spiritofthegamemovie.com.)
Re 'HOKUSAI': This was my first ever... and still my favorite... short animated
film! I created it in my spare time while I was still a director/animator at
the Richard Williams Studio in London during the late 1970's. I actually
started the film after we had completed 'A Christmas Carol', when I was Richard
Williams' own personal assistant at the time. 'Carol' went on to win the first
of Dick's three Oscars. When my own 'Hokusai' film won a British Academy Award
I moved on to set-up the 'Animus Productions' animation studio... a creative
entity I led for a further 20 award-winning years. The film itself was inspired
by the wonderful sketchbooks of Hokusai. When I saw them I realized that this
artist was indeed a true animator at heart... he just didn't have the knowledge
or the technology to be one in his lifetime. I therefore sought to bring his
drawings to life for him, as homage to his genius
Gustav Klimt (Viena 1862
-1918), fue el más famoso de los artistas austriacos de su tiempo, y la figura
más representativa del modernismo pictórico (Jugendstil) en Alemania. Los
aspectos personales de su biografía son todavía hoy un misterio apenas
desvelado. Sólo es posible revisar los hechos de su trayectoria pública, algo a
toda luces insuficiente para esclarecer las complejidades de una obra refinada
y hermética, cuyo elaborado simbolismo se atiene a menudo a claves íntimas.
Nació en Baumgarten, cerca de Viena, en el seno de una familia de tradición
artesana que, en parte, reflejaba la pluralidad nacional del Imperio
austrohúngaro. Su madre era vienesa, y su padre, Ernst Klimt, orfebre de origen
bohemio, orientó a sus tres hijos varones (del matrimonio nacieron también
cuatro hijas) hacia su mismo camino profesional.
De esta forma, Gustav Klimt, el mayor de los varones, ingresa en 1876 en la
Escuela de Artes Aplicadas del Museo Imperial de Arte e Industria de Viena,
institución fundada pocos años antes con el fin de mejorar la situación de las
artes industriales en el Imperio. Allí se hará con una sólida formación técnica
y teórica y, al terminar sus estudios en 1883, constituye con su hermano Ernst
y su compañero Franz Matsch la "Compañía de artistas". La
Administración imperial estaba empeñada en la promoción de las artes
decorativas, y el proyecto monumental de la Ringstarre (una avenida circular en
torno al casco histórico de Viena donde se localizarían los principales
edificios institucionales y culturales del Imperio), entonces en plena
realización, proporcionaba una inmejorable oportunidad a artistas, arquitectos
y artesanos. Después de foguearse en algunos encargos lejos de la capital (como
la decoración del Teatro Municipal del Fiume, en Croacia, entre 1883 y 1885),
los tres socios decoran la escalinata del Burgtheater entre 1886 y 1888 y, tres
años después, su éxito les vale el encargo de las pinturas decorativas para las
enjutas e intercolumnios de la escalera del Museo de Historia del Arte, otro de
los grandes edificios de la Ringstrasse.
En 1888, por otra parte, Klimt había pintado para el concejo vienés una vista
interior del viejo Burgtheater que le valió en 1890 el Premio del Emperador.
Con menos de treinta años, Klimt era ya uno de los artistas más prestigiosos de
Viena.
La obra de Gustav Klimt, reúne la singularidad, la impresión de que en ella se
encierran claves íntimas, pero al mismo tiempo, es una síntesis casi exhaustiva
de las inquietudes, tendencias y lenguajes de la convulsa escena artística
moderna europea de los años del cambio de siglo. Klimt alentó la modernización
y la apertura del arte austriaco a las tendencias europeas. En él confluyen la
influencia del Jugendstil alemán de Munich, el Modern Style escocés de
Mackintosh y la lección de impresionistas y posimpresionistas franceses con la
herencia simbolista del romanticismo alemán y nórdico.
El objetivo de Klimt era un arte idealista y autorreferencial, liberado de
hipotecas y compromisos más allá de sus exigencias intrínsecas.
Salvo contadas excepciones, consagró sólo a mujeres su celebrada faceta de
retratista y sus personajes alegóricos encuentran una traducción femenina. El
significado de lo femenino en Klimt siempre ha sido un asunto controvertido
para la crítica. La mujer es el catalizador mítico del simbolismo de Klimt,
imagen de la vida y de la muerte, amenaza y promesa a un tiempo.
En muchas de sus obras supo combinar el realismo del retrato con un
decorativismo extremo en los fondos y los vestidos, en los que predominan los
tonos amarillos y dorados y los motivos inspirados en las alas de mariposa o
las colas de pavo real. Destacan, entre otras muchas obras, El beso (0:01) Salomé y Judith (4:03), imbuidas todas
ellas de una sensualidad palpable. El Osterreichische Museum de Viena conserva
una excelente colección de su pintura.
Klimt no se casó, aunque tuvo varios hijos naturales, de los que reconoció al
menos tres.
El retrato de Adele Bloch-Bauer (4:55) fue vendido por:
135.000.000 dólares (107.000.000 euros) al magnate de los cosméticos Ronald S.
Lauder.
Música: Gustav Mahler - Symphony 7 - Andante Amoroso
Amedeo Modigliani
was born in Livorno (Leghorn) on 12 July 1884 into a rich merchant family.
Versed in literature and art at an early age, Modigliani took his first lessons
in drawing and painting between 1898 and 1900 at Guglielmo Micheli's studio.
Modigliani was particularly fond of the Italian Early Renaissance. In 1902
Modigliani shared a studio in Florence with Oscar Ghilia and became a pupil at
the free school for drawing from the nude. A year later Modigliani transferred
to the Venice Academy, where he spent a great deal of time studying the works
of the Old Masters and became familiar with international movements in art.
Modigliani went to Paris in 1906 to study at the private Colarossi Academy. In
1907 he met a young physician, Paul Alexandre, who was the first person to
promote his work. Alexandre not only bought paintings and drawings of
Modigliani's; he also helped to arrange the artist's first commissions. That
same year Modigliani showed work at the Salon d'Automne and a year later at the
Salon des Indépendents. The few pictures by Modigliani to have survived from
that period reveal the influence of the Fauves, Matisse, Toulouse-Lautrec,
Picasso and Cézanne. Paul Alexandre introduced Modigliani to the sculptor
Constantin Brancusi and Modigliani began to sculpt under his influence but he
gave up sculpture in 1914/15 to devote himself to painting. The same salient
features are common to both Modigliani's sculpture and his painting: despite
mask-like stylization, a poignant grace and spirituality inform Modigliani's
heads. His lasting fame rests on the portraits of artists he did after 1914.
On the outbreak of the First World War, Modigliani volunteered for service but
was exempted for health reasons: two severe attacks of tuberculosis had left
him weakened for the rest of his life. Modigliani began to work with the art
dealer Paul Guillaume and was also supported by the Polish poet Léopold
Zborovski and his wife, doing many portraits of both. Modigliani's first
one-man show was opened by the Galerie Berthe Weill on 3 December 1917 but was
closed after only a few hours because his nudes caused a public scandal.
Modigliani left Paris while it was under German siege in 1918 and went to Nice
with his mistress, Jeanne Hébuterne. There he did some of his best known
pictures and some of his few landscapes. A daughter was born to him in Nice. In
May 1919 Modigliani returned to Paris and went to England several times, thus
ensuring the successful sale of his work there. Early in 1920, however,
Modigliani again fell ill of tuberculosis and died in Paris on 24 January. -------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
El director de arte y diseñador
Kevin Weir emplea históricas y olvidadas fotografías en blanco
y negro como base para sus inquietantes y, a la vez, simpáticas
animaciones GIFs. Sus inicios en el ámbito de las
animaciones GIF comenzaron para él en la escuela secundaria. "El jefe
de mis padre me compró una copia de Photoshop y decidí que quería ser algo así
como un diseñador." Weir hace uso de fotografías
que encuentra en el archivo on line de la Biblioteca del Congreso.
Tal vez sea la naturaleza de su imaginación, o tal vez el resultado de
que sus animaciones, aunque extrañas e inquietantes no traten temáticas
llamemos "serias", pero lo cierto es que es difícil no sonreír ante
sus ocurrencias. ¡Disfrutemos de su ingenio!
A try to
visualize the flow of the famous painting "Starry Night" of Vincent
Van Gogh.
The user can interact with the animation. Also, the sound responds to the flow.
Made with openframeworks.
[ UPDATE - feb 20, 2012 ]
Thank you so much for your positive feedback! :)
Due to large number of requests, I am currently working on porting this application
to iPad and android.
A try to visualize the flow of the famous
painting "Starry Night" of Vincent Van Gogh.
The user can interact with the animation. Also, the sound responds to the flow. Made
with openframeworks.
[ UPDATE - feb 20, 2012 ]
Thank you so much for your positive feedback! :)
Due to large number of requests, I am currently working on porting this
application to iPad and android.
COMENTARIOS-This is really
beautiful, I love the sounds and the soft flow of the interactivity.- Beautiful
piece, just dived into the painting, and it seems very difficult to get out
afterwards.
Pierre-Auguste
Renoir (Limoges-1841/Cagnes-sur-Mer-1919) pintor francés, figura central dentro
del desarrollo del movimiento impresionista, se formó como pintor de porcelanas
en el obrador de los Lévy, si bien su interés por la pintura hizo que visitase
el Musée du Louvre con frecuencia, donde, alrededor de 1860, comenzó a copiar
las obras de los maestros clásicos. Desde 1861 asistió a las clases de dibujo
de Charles Gleyre y finalmente fue admitido en la École des Beaux-Arts en 1862,
aunque permaneció ligado al estudio de Gleyre, donde trabó conocimiento con
Claude Monet, Alfred Sisley y Frédéric Bazille. Junto a ellos, realizó
excursiones al bosque de Fontainebleau y pronto se sintió atraído por la
práctica de la pintura pleinairista
En
1864 se expuso por primera vez en el Salon una obra de Renoir "La
esmeralda", que él mismo destruiría posteriormente. Sin embargo, en los
años anteriores el Salon había rechazado diferentes obras suyas, algo que le
haría participar en el Salon des Refusés de 1863.
Tras
una pausa por la guerra franco-prusiana, en la que fue llamado a filas, Renoir
expuso en la Primera Exposición Impresionista de 1874. Durante estos años
inmediatos al fin de la guerra, pasó temporadas junto a Monet en Argenteuil,
donde ambos realizaron paisajes que se convertirían en ejemplos paradigmáticos
del estilo impresionista
Su
participación en las exposiciones impresionistas finalizó tras la tercera,
celebrada en 1877, y a partir de 1878 sus obras fueron admitidas en el Salon
oficial. Este cambio de actitud coincidió con una crisis creativa en la que
Renoir se desvinculó del impresionismo. Sus composiciones se volvieron más
equilibradas y aumentó en ellas la importancia del dibujo. La influencia de
Jean- Auguste-Dominique Ingres y de su viaje a Italia, en el que se sintió
especialmente atraído por Rafael, se hizo patente en sus nuevas obras, que
tuvieron en las bañistas uno de sus temas más recurrentes. En. busca de nuevos
campos de inspiración, Renoir viajó mucho dentro y fuera de Francia, visitando
los museos de muchas ciudades europeas, como Dresde, Londres y Madrid.
Alrededor
de 1900, la fama de Renoir se había extendido y estaba considerado como un gran
artista. Con el cambio de siglo su salud empeoró y sus problemas reumáticos
hicieron que se trasladase a una pequeña localidad del sur de Francia,
Cagnes-sur-Mer, donde compró una casa, hoy museo. Finalmente tuvo que dejar de
pintar y comenzó a dedicarse a la escultura, tarea que realizaba gracias a la ayuda
de un joven escultor que llevaba a cabo las indicaciones del maestro.
Música Tchaikovsky - Vals de las flores (El
Cascanueces).
Pierre-Auguste
Renoir - Retratos - Música Debussy-6.03 min
Pierre
Auguste Renoir, uno de los más célebres pintores franceses (1841-1919) fue el
penúltimo de cinco hijos. Su padre era un modesto artesano, que ante las
dificultades del sustento, se trasladó con su familia a París en 1845, cuando
Renoir tenía cuatro años.Vivió sus primeros años en barrios proletarios donde
trabajó como decorador de porcelanas y pintor de abanicos.
Comenzó
su andadura en una tienda de porcelana China de París, donde pintaba temas que
emanan dulzura y sentimentalismo heredados del Rococó. Después pasó al estudio
de Gleyre, donde contactó con pintores impresionistas como Sisley y Monet. En
sus primeros años, también le influyó la escuela de Barbizon, sobre todo la
pintura de Gustave Courbet. A Renoir siempre se le ha considerado el
representante del Impresionismo más sensual, y uno de los impresionistas más
reconocidos por los temas de flores y escenas dulces de niños y mujeres.
Renoir
posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy
personal. Destaca especialmente, por la representación de la vida y la búsqueda
de la belleza interior que lleva a cabo en sus retratos. Normalmente en los
rostros de mujeres o niñas donde consigue expresar la inocencia, la armonía del
ser y una bondad expansiva
El
desnudo femenino es un tema que le obsesionó, sus formas gruesas pueden
recordar a Rubens y su pincelada suelta y de gran cromatismo a Tiziano.
Su
técnica se basa en la luz potente de la piel, que contrasta con otros colores
potentes. El brillo de los ojos, destacado con los negros de pupila y pestañas.
La pincelada que genera un dibujo perfilado en el sitio exacto pero sin ser un
dibujo duro ni realista, sino libre y dinámico. La técnica impresionista
permite crear una atmósfera que nace del propio rostro.
En
1878, Renoir se alejó del grupo impresionista y buscó el éxito en los salones
oficiales. El abandono de los principios impresionistas se acentuó cuando, a
partir de 1881, numerosos viajes a Normandía, Argel, Florencia, Venecia, Roma,
Nápoles y Sicilia despiertan su admiración por cierta idea clásica de lo bello
(la pintura pompeyana, Ingres, Rafael) que le llevó a cuestionarse el valor de
la espontaneidad de su técnica anterior, alejándose progresivamente de los
efectos atmosféricos en busca de una pintura más definida. El tema de la mujer,
por el que el artista mostró claramente, durante toda su vida, un gran interés,
adopta, por lo general, un tratamiento de gran consistencia y de resonancias
clásicas.
Las
penurias económicas de Renoir terminaron con el éxito de la exposición
impresionista de 1886 en Nueva York. En 1892 realizó una muestra antológica en
los salones de Durand-Ruel. Dos años más tarde nació su hijo Jean (el cineasta
Jean Renoir) y Gabrielle Renard, prima de su mujer Aline, entró con dieciséis
años en la casa del pintor para ayudar en la tareas domésticas, aunque acabó
convirtiéndose en su modelo favorita. Jean escribió: "El espíritu
inherente a los niños y niñas, a las criaturas y los árboles, pobladores del
mundo que él creó, encerraba tanta pureza como el cuerpo desnudo de Gabrielle.
Y finalmente, Renoir revelaba su propio ser a través de esta desnudez."
A
partir de ese momento los éxitos se suceden. Sin embargo, ni su artritis, que
le lleva a instalarse en la Provenza en busca de un clima más cálido, es
operado en 1910 de las dos rodillas, una mano, y un pie, pero ni el
alistamiento de sus hijos Pierre y Jean durante la Primera Guerra Mundial, ni
incluso la muerte de su esposa en 1915, logran disminuir su entusiasmo por la
pintura.
Música
Debussy - Andantino con moto allegro - Trío Parnassus
Als
Monet sich 1890 in Giverny nördlich von Paris niederließ und dort seinen Garten
mit dem berühmten Seerosenteich anlegte, eröffnete er der Kunst damit ganz neue
Möglichkeiten. Aus den Spiegelungen im Teich gestaltete Monet Bilder, in
welchen das Oben und Unten nicht mehr eindeutig zu bestimmen ist. Welche
Pflanzen, Blumen und Blüten befinden sich tatsächlich in dem Teich, welche
spiegeln sich nur darin, fragt sich der erstaunte Betrachter dieser Bilder.
Dimensionen und Perspektive geraten aus dem Gleichgewicht, eine getreue
Maßstäblichkeit ist in diesen großen Gemälden nicht mehr festzustellen. Monet
hat damit alle Dimensionen der Malerei gesprengt. Es ist ihm gelungen, die
Malerei aus der Gegenständlichkeit des 19. Jahrhunderts zu befreien und die
Fenster zu einer völlig neuen Kunst, zur Abstraktion, zum Absoluten
aufzustoßen. Darin liegt Monets bedeutendste künstlerische Leistung, und
deshalb sollen in unserer Ausstellung die berühmten Seerosenbilder eine
besondere Stellung einnehmen. Wir zeigen aber nicht nur die grandiosen späten
Seerosenbilder, sondern Werke aus allen Schaffensphasen Monets.
Für die Ausstellung in Wuppertal entstand ein
Film, der sich auf Spurensuche an die Originalschauplätze nach Giverny, Paris,
London, Amsterdam, Venedig, Vétheuil und Barbizon begibt.
Ein
Film von Werner Raeune und Ralph Goertz in Zusammenarbeit mit dem Von der
Heydt-Museum Wuppertal und Dr. Gerhard Finckh.
Camille
Pissarro, pintor francés, fue uno de los fundadores del Impresionismo, el mayor
del grupo y el único que participó en las ocho exposiciones que celebraron.
Nació
el 10 de julio de 1830 en Santo Tomás (Islas Vírgenes), y era hijo de un
próspero comerciante judío. A los 12 años viajó a París para realizar sus
estudios y el ambiente de la ciudad despertó en él interés por el arte. De
regreso a Santo Tomás, su padre le negó el permiso para estudiar arte, por lo
que trabajó en el comercio paterno mientras realizaba bocetos inspirados en la
Isla.
En
1852 fue a Caracas como ayudante del pintor dinamarqués Fritz Melbyl y allí
pintó paisajes y escenas de costumbres. En 1855 se trasladó a París, estudió en
la Escuela de Bellas Artes, en la Academia Suiza y más tarde, con el paisajista
francés Camille Corot. Conoció a Monet, Cézanne y Guillaumin y frecuentó el
Café Guerbois, donde se reunían un gran número de artistas y escritores para
discutir ideas.
Viajó
a Londres y allí coincidió con Monet, juntos hicieron estudios de edificios
envueltos en nieblas. A su regreso a Francia se unió a Manet, Monet, Renoir,
Sisley y Guillaumin y decidieron formar un grupo. Así nació el impresionismo.
Hasta
esa época, sus obras se asocian a la Escuela de Barbizon. Influido por Corot y
Courbet, pintó con una gama sobria de verdes y grises. Pero, poco a poco, su
paleta irá adquiriendo luminosidad.
Durante
la Guerra Franco-prusiana (1870-1871), marchó a Inglaterra. A su vuelta, su
casa había sido saqueada y parte de sus pinturas estaban destruidas. Atraído
por los paisajes, decidió alquilar una casa en Pontoise.
Entre
sus temas, destacan los relacionados con la vida natural y rural. En sus
escenas representa casas, árboles, campos, montones de heno y campesinos
trabajando.
Más
tarde, influenciado por Seurat y Signac, experimentó el puntillismo, que
consiste en lograr las formas mediante el uso de pequeñas gotas de color
yuxtapuestas. Las críticas recibidas lo llevaron a abandonar esta técnica y a
retomar el impresionismo.
Cuando
su enfermedad ocular empeoró tuvo que abandonar la pintura al aire libre y
centrarse en escenas urbanas. Se trasladó a Ruán y pintó excelentes vistas de
la ciudad y de su puerto, y después pasó a París, donde murió en 1903.
